Esta es una asignatura de estética centrada en las formas específicas del cine. Se trata de abordar, de manera introductoria, cuestiones fundamentales de la teoría del cine con una mirada no diacrónica y con voluntad expresamente relacional, buscando conexiones y vínculos con otras artes o cuestiones filosóficas. La asignatura busca fundamentar algunos conceptos que se irán desarrollando, complejizando o contradiciendo en otras troncales. Se estudiarán cuestiones como las diferencias entre lo imaginal y lo imaginario, las nociones de realismo y representación, la dicotomía entre lengua y lenguaje, o las aproximaciones desde la fenomenología y las teorías de la recepción. Desde un punto de vista metodológico, se pretende que todas las cuestiones emanen de las operaciones formales del propio cine en el límite de su propia existencia. En el contexto de la asignatura, a esta búsqueda la identificaremos como “el arte de las aberraciones”. El término se emplea en el sentido que le otorgó el teórico Jurgis Baltrusaitis al hablar de la peculiar y específica leyenda de las formas, de sus deformaciones, sus máscaras y sus monstruos.

La asignatura plantea la posibilidad de que alumnas y alumnos de EQZE asuman su rol (creativo, investigador, curatorial) a modo de exploración de la práctica cinematográfica y audiovisual relacionada con el archivo teniendo en cuenta los tres tiempos del cine: el pasado, que se relaciona con la memoria; el presente, que se relaciona con la acción; el futuro, que se relaciona con la proyección. Esta propuesta, de raigambre filosófica, plantea una reflexión sobre problemáticas históricas, culturales o políticas contemporáneas desde el marco conceptual que ofrecen los conceptos de profanación (Giorgio Agamben) y acto creativo (Gilles Deleuze).

Abrir las imágenes supone hacerlas hablar en el presente a través de un acto apropiado de lectura que se adhiera a su compleja singularidad para construir, pacientemente, un sentido que conjugue el ver con el saber. Reflexionaremos sobre la dimensión performativa de las imágenes cinematográficas en relación con la construcción y comprensión de un relato sobre el pasado, así como sus consecuencias éticas, estéticas y políticas.  En segundo lugar, abordaremos algunas de las instancias implicadas en la escritura y transmisión de una historia del cine: de las políticas del canon a la programación, deteniéndonos en el papel fundamental de los archivos fílmicos y cinematecas para el reconocimiento del cine en tanto patrimonio y obra de arte. Asimismo, desde hace algunas décadas, también el museo se ha convertido en otra pieza clave para asegurar su existencia como campo de experimentación, un movimiento recíproco y complementario entre cine y museo, donde el primero ha encontrado una forma alternativa a los canales tradicionales de producción y exhibición, mientras que el segundo descubre la oportunidad de repensarse por medio de tal interrupción. Evocaremos ese movimiento vinculado a la experiencia cinematográfica contemporánea y terminaremos preguntándonos por las modalidades de un cine separado de su dispositivo tecnológico tradicional.

Esta asignatura plantea una serie de reflexiones históricas, metodológicas y teóricas para interrogar la dimensión política de la cultura cinematográfica. Toma como caso de estudio central un conjunto heterogéneo de prácticas radicales que se desarrollaron los años 60 y 70 del siglo XX, a las que nos aproximaremos bajo el concepto de “cine militante”, entendido en un sentido expandido. Se trata de un momento en que la cultura cinematográfica conoció uno de sus periodos de radicalización más convulsos a escala global: al calor de las luchas del “largo 68” y de una serie de desarrollos técnicos cruciales, se transformaron las formas de hacer, pensar y compartir las imágenes en movimiento. La asignatura propone revisitar críticamente el archivo del cine militante e interrogar cómo estas imágenes del pasado siguen reverberando en el presente y cómo nos relacionamos con ellas a través de las herramientas de la investigación, el archivo, el comisariado y la creación. La asignatura no se plantea como un capítulo de historia del cine, sino como un ejercicio de metodología y pensamiento que desborda su caso de estudio para ahondar en las interrelaciones entre teoría y práctica, estética y política, pasado y presente.

Esta asignatura propone un acercamiento al cine vasco. Comenzando por la contextualización histórica para situar el nacimiento y desarrollo del cine vasco hasta nuestros días, realizará un repaso cronológico y temático por la historia del cine vasco y mostrará los y las cineastas vascos más destacados desde los orígenes hasta la actualidad, con particular detenimiento en las tres (o más) generaciones de cineastas vascos activos en la actualidad.

A partir de lecturas de textos procedentes de distintas disciplinas esta asignatura propone una serie de encuentros para invitar a los y las estudiantes a reflexionar sobre nuestros tiempos culturales. Se trata de un acercamiento crítico y transversal a la definición de la figura del comisario o comisaria y sus funciones. Se descubrirán o revisarán lecturas que se revelarán valiosas para acompañar el desarrollo profesional y cuestionar las motivaciones de cada una.

La asignatura traza un recorrido por el pensamiento curatorial artístico y cinematográfico desde el siglo XIX hasta el siglo XXI. Dividida en dos bloques independientes, la materia aborda cuestiones teóricas sobre las prácticas de programación y mediación cultural, al tiempo que plantea de un modo especular las relaciones y contrastes, a través de casos de estudio, entre la curaduría artística y la fílmica. La primera parte propone el abordaje de los modos de presentar el arte contemporáneo y del pensamiento específico generado en torno a la actividad del comisariado. En la segunda, una vez definida la larga tradición del comisariado artístico, se plantearán las características propias de la curaduría fílmica a lo largo de su historia.

Un acercamiento a la idea de pantalla como concepto transmisor de la cultura del último siglo. La asignatura tiene una estructura histórica y un enfoque multidisciplinar a partir de ámbitos de conocimiento diferentes y complementarios, como la arqueología de los medios, la sociología del cine y la estética del gusto y las teorías de la recepción.

Además de encrucijada cinematográfica, geopolítica, sociocultural, mediática y económica, los festivales son en sí mismos objeto de estudio académico. Agentes imprescindibles del sector audiovisual, algunos con una enorme capacidad motora, los festivales son, gracias al corte transversal que efectúan en el calendario anual de una realidad concreta, un mirador privilegiado para comprender el entrelazamiento de la cultura cinematográfica con variables históricas, políticas y sociales. Esta asignatura toma como punto de partida una historia comparada de los festivales de cine, desde los primeros y cambiantes usos del término “festival” que circularon con la invención del cinematógrafo hasta las crisis, transiciones y paradojas que han dado forma al circuito internacional contemporáneo. El objetivo es desarrollar una mirada crítica y poliédrica, que interrogará los festivales desde una pluralidad de puntos de vista: como agentes activos en la escritura de la historia del cine, como instrumentos de diplomacia cultural, como rituales con coordenadas espaciotemporales propias, como formaciones atravesadas por grandes debates contemporáneos (transformaciones urbanas, diversidad, crisis ecológica). Siempre desde una perspectiva transnacional y comparada, la asignatura prestará una especial atención al Festival de San Sebastián como caso de estudio.

La cercanía física, académica y conceptual entre EQZE y el SSIFF adquiere en este caso la forma de un taller teórico-práctico que procura un acercamiento a los distintos departamentos del Festival de San Sebastián. Las sesiones pretenden, por un lado, invitar a la reflexión sobre el SSIFF desde la experiencia vivida por los y las estudiantes durante la edición concluida. Por otro, procurar un primer acercamiento a los equipos y las dinámicas de trabajo que realiza el festival no solo durante el evento sino a través de todo el año. La asignatura tiene un carácter introductorio que se complementa posteriormente con la oferta de prácticas que convoca el SSIFF a lo largo del curso.

Esta asignatura en dos partes aborda con detalle los distintos paradigmas de programación de cine, tanto los que se articulan en el tiempo de manera regular (en filmotecas y centros estables), como aquellos concentrados en el tiempo (en festivales y eventos puntuales). La asignatura propone un recorrido histórico y conceptual, deteniéndose especialmente en los autores, espacios y proyectos específicos que han hecho de la programación un arte de “montar películas”. También proporcionará a los estudiantes las herramientas necesarias para participar de forma crítica en distintas situaciones de programación y para poder responder a los retos prácticos y éticos que a veces se plantean cuando se trabaja con imágenes de archivo y material sonoro. Examinaremos la relación entre programación, conocimiento y escritura en la historia del cine.

Esta asignatura propone un ejercicio teórico-practico de curaduría de un programa público, ideado y gestionado por estudiantes de Comisariado, en el cine de Tabakalera durante la semana del 8 de abril de 2024. De forma práctica, aborda cuestiones centrales del comisariado. ¿Qué hacer? (siguiendo a Lenin), o dicho de otra manera: ¿qué programar, por qué, para quién, con qué legitimidad, desde y hacia dónde, qué queremos conseguir, a quién invitamos, qué público, qué películas dejamos fuera, y por qué? ¿Quién vendrá a vernos, quién suele venir a vernos, quién queremos que venga a vernos? ¿Queremos, necesitamos, poner películas? ¿Y los espectadores, quiénes son, y quiénes no?

La asignatura no busca replicar programas ya existentes, y de fácil simulación, sino pensar de forma colectiva a partir de la sala disponible, de sus características técnicas, pero también físicas, sociológicas, ambientales, ideológicas, políticas, culturales, climatológicas, y determinar qué se puede aportar, qué falta, qué sobra, y cómo intervenir en el debate y diálogo público a través de un programa. Una semana será ante todo un trabajo colectivo, un ensayo y también un resultado, un experimento, una hipótesis, un salto al vacío, un juego y un trabajo serio.

Tras la experiencia de UNA SEMANA, para aquellas que quieran afrontar un segundo ejercicio teórico-practico de curaduría, se propone desarrollar una experiencia de programación de cine en Bidebieta, un barrio periférico de San Sebastián. Dicho programa será desarrollado por parte del alumnado de comisariado de EQZE y dinamizado por el Centro Joven Kontadores, un espacio municipal de encuentro y creación colectiva. En el proceso de programación participarán agentes y espacios del barrio.

El buen amor es una asignatura teórica y práctica alrededor de la escritura sobre cine. Está dividida en tres bloques; el primero introducirá a los y las estudiantes a algunas nociones de escritura crítica, descripción de imágenes y sonidos, definición de conceptos y al uso herramientas bibliográficas; el segundo bloque estará dedicado al ensayo, la crítica y la tarea de la editora y el tercero, enfocado al trabajo con textos, documentos y las publicaciones sobre cine.

Esta asignatura aborda la generación de un pensamiento crítico sobre el cine a partir de la escritura con imágenes y sonidos. Las clases ofrecen una introducción a distintas ideas, prácticas, y corrientes cinematográficas que pueden considerarse como precursoras del ensayo audiovisual; una reflexión sobre el papel del montaje y los distintos métodos de recombinación a la hora de articular un pensamiento sobre el cine; un análisis de piezas individuales con la intención de comprender los distintos procesos y mecanismos que se ponen en marcha a la hora de elaborar un ensayo audiovisual. El propósito de esta asignatura es proveer a los alumnos de una base sólida que les permita—como espectadores—comprender, analizar y evaluar ensayos audiovisuales; y—como potenciales realizadores—enfrentarse a la composición de este tipo de piezas. Con este objetivo en mente, la asignatura está dividida en clases teóricas y prácticas.

Zinefabrika engloba los contenidos de producción, gestión y materialización de la actividad curatorial. Por un lado, la asignatura procura las herramientas y competencias propias de la circulación y exhibición de las imágenes en movimiento. Se abordan cuestiones relacionadas con los derechos de exhibición, la localización y tránsito de copias y la relación con los espacios de exhibición. Por otro, se adentra en la dimensión creativa de la producción, proporcionando las habilidades y destrezas del comisario como generador de nuevas obras cinematográficas. Algunos asuntos que se tratan en este bloque son, la elaboración de presupuestos, el liderazgo del comisario y el trato con artistas y cineastas. Finalmente, la asignatura implica un importante respaldo práctico a los proyectos finales.

El taller propone un acercamiento a la producción de emulsiones fotoquímicas artesanales. Un taller que parte de la arqueología fílmica pero que pone en evidencia muchas de cuestiones creativas contemporáneas. Un taller para las interesadas en la historia de la materialidad, pero dirigido también a cineastas interesados en el cine no sólo como un medio de almacenamiento para sus ideas, imágenes y banda sonora, sino como un material que forma y distorsiona activamente estos pensamientos, imágenes y sonidos.

Última etapa en la adquisición progresiva de conocimientos, habilidades y destrezas relacionados con el procesamiento de la película fotoquímica. La asignatura busca, por un lado, adentrarse en las técnicas y flujos de trabajo de un laboratorio profesional a partir del manejo práctico de la tecnología específica para el revelado (color y blanco y negro de 16 mm), corrección de color y copiado. La adquisición de estas habilidades prácticas implica también el mantenimiento de un conocimiento intergeneracional de la cultura e industria cinematográficas que, de otra manera, caería en el olvido. Por otro lado, los y las estudiantes que participen del curso podrán hacerse cargo del procesado de los materiales fílmicos realizados en la Escuela, manteniendo activo el servicio de EQZELab.

Un paso más allá de la técnica de revelar películas es explorar las posibilidades que el revelado y otros procesos fotoquímicos ofrecen a la hora de crear imágenes, desde un punto de vista contemporáneo. Este taller está dirigido a la creación de imágenes improbables a partir de la exploración de diversas técnicas de creación, manipulación, alteración y combinación de los procesos fotoquímicos no convencionales: revelados cruzados, alternativos, naturales, multiexposiciones, rayogramas, flat print, alteraciones y manipulaciones de emulsión, Lift off, mordançage, solarizado en b/n y color…

En esta asignatura se aborda de manera específica el diseño y construcción de universos sonoros en todas sus etapas: ideación, pautas de trabajo, relaciones con la imagen, gestación de proyectos a partir del sonido, mezclas, etcétera. El poder multisensorial de las imágenes y el sonido. La estimulación sensorial sinestésica de imágenes y sonidos y la articulación de su poder paradójico en el cine.

La asignatura se propone como una reflexión sobre el lenguaje, sobre la performance, sobre la acción, en su especificidad y en relación con los límites que las definen. Se prestará especial atención a los puntos de encuentro entre diferentes áreas de conocimiento de la práctica artística, a la exploración del registro y la performance, la acción, la cualidad indicial del registro performativo, así como su transformación en otros lenguajes, desde el dibujo a la escultura, el texto, el documento, el vídeo… Todo ello posibilitará definir un paisaje que permita tomar conciencia del cuerpo como signo, el valor posicional del lenguaje y su dimensión performativa. La encarnación de signos corporales, sonidos, palabras y su potencial transformador y político. 

Este curso introduce al alumnado en las principales cuestiones y estrategias emergentes para la conservación/preservación de los nuevos medios y las obras de arte digitales. Estas obras de arte van más allá de las proyecciones individuales de vídeos o películas; las y los artistas contemporáneos se sirven de una gran variedad de formatos y tecnologías audiovisuales para crear instalaciones complejas que son fascinantes para estudiar. Hay distintos ejemplos: obras de arte más antiguas que utilizan componentes obsoletos como los televisores (tubos de rayos catódicos), obras sincronizadas multicanal, obras que emplean motores de juegos o códigos personalizados u obras que obtienen datos de Internet. Las obras de arte complejas suelen tener muchas partes interrelacionadas que deben ser descifradas y documentadas para asegurarse de que en el futuro la obra funcione de manera fiel a la visión del artista. El alumnado aprenderá a analizar las obras de arte y a identificar los posibles riesgos estudiando varias obras de la colección de una institución cultural local. Investigará las historias de las exposiciones, consultará los archivos institucionales, examinará los componentes reales de una obra de arte y discutirá las obras con el personal del museo. En ese proceso, se aprenderá mucho sobre el cuidado y la conservación de las obras de arte en los museos y archivos.

Hace setenta años, cineastas y críticos de todo el mundo empezaron a utilizar el término francés mise en scène como abreviatura para referirse al proceso de dirección. El término sigue siendo útil hoy en día, pero sólo si ampliamos su definición mucho más allá de sus orígenes clásicos, teatrales y pictóricos, y si tenemos en cuenta las numerosas dimensiones cambiantes de la historia audiovisual, incluidos los procesos de postproducción sonora y digital. Este curso no está dedicado al análisis de películas completas, ni a la interpretación estándar de temas y significados en el cine. De hecho, el curso está dirigido a observar de cerca partes concentradas de películas y otras piezas de los nuevos medios para discernir, de la mejor manera posible, la forma en que sus creadores concibieron el enfoque, la lógica, la estructura, la organización de los elementos de la obra (ya que nunca es exactamente la misma de una obra a otra). ¿Cómo se concibe desde dentro el estilo y la forma de una obra audiovisual (en cine, televisión o arte digital)?

El Observatorio recorre transversalmente el primer trimestre del año académico habilitando un espacio para la formación, la práctica y la investigación sonora. Además de un temario fijo, se adapta a las necesidades de los integrantes del grupo y del momento específico, de ahí su vinculación a la práctica y a los proyectos en desarrollo.

Esta asignatura, que transcurre a lo largo de los cuatro primeros módulos, busca confrontar al alumnado con la naturaleza de su película y la metodología de abordaje. ¿De dónde viene su película? ¿De qué trata? ¿Qué emoción procura despertar? ¿Se puede contar en imágenes? ¿Cómo quiere el o la autora que se sienta el espectador al concluir el visionado de la obra? A partir de estas y otras cuestiones, se pretenden iniciar –o retomar en algunos casos - los procesos de reflexión y desarrollo del proceso de trabajo que habrán de culminar en la obra acabada. El curso se concentra básicamente en tres puntos: el trabajo con el Punto de Partida como alma del viaje creativo; la necesidad de expandir el ámbito de ese viaje a partir de estímulos concretos capaces de añadir complejidad y profundidad a la película y la concreción del proyecto desde la escritura.

Internet es un gran contendor de conocimiento, prácticas y materiales de la humanidad. Aparentemente accesible y transparente, vehiculizado a través de redes de búsqueda sofisticadas y predeterminadas, internet aparece como el mayor archivo de la historia (también del cine) con características aparentemente similares a otros archivos, pero con resortes totalmente novedosos. A partir de su especificidad, la asignatura se acerca a internet desde una perspectiva archivística, pero con una mirada crítica, creativa y curatorial. En este sentido, "Internet como archivo" plantea un acercamiento dinámico y no estático al archivo, desdibujando los límites de las prácticas creativa, de comisariado y de creación.

Esta asignatura se centra en el audiovisual de artista en el contexto del País Vasco. Toma como punto de partida las relaciones fluidas de la imagen en movimiento y los desplazamientos entre el cine y las prácticas artísticas, especialmente aquellas que acontecen en el sistema del arte: museos, centros de arte y galerías, o en el extrarradio del propio cine. A partir de una serie de casos de estudio, visionados, salidas e invitados, la asignatura examina el panorama local de la creación audiovisual.

En los orígenes del cinematógrafo, la cámara para registrar imágenes servía también para proyectarlas. El operador u operadora que activaba la manivela para atrapar un instante también era el encargado de hacer girar el engranaje de arrastre para, una vez revelada la película, compartir esas mismas imágenes en una pantalla. ¿En qué momento estas dos funciones (y las dos cámaras) se separaron y, sobre todo, con qué consecuencias? ¿Por qué el oficio de proyeccionista se ve hoy en día, y prácticamente desde la mecanización del arrastre de la película y la creación de los circuitos de distribución, tan alejado y ajeno al del operador de cámara? La afirmación de Henri Langlois, fundador de la Cinématèque Française, de que su cámara de cine era la cámara de proyectar pone en evidencia la importancia de reivindicar el arte de la proyección.

La clase comienza con una introducción sobre formatos de archivos. Sobre esa base, los estudiantes explorarán de manera práctica el software libre y de código abierto tales como FFmpeg (para conversión de archivos), QCTools (para control calidad), AEO-Light (extracción de sonido de pistas de sonido óptico) y DCP-o-matic (para la creación de DCP), así como varios reproductores multimedia. Se presentarán y discutirán los diferentes recursos en torno a la infraestructura y a los procesos de trabajo para la digitalización de películas y videos, considerando especialmente las soluciones que puedan ser implementadas en entornos difíciles con poco presupuesto. Para finalizar la clase, se realizará una descripción en torno a la preservación y migración de datos, así como la planificación y recuperación de desastres.

El taller comenzará con el reconocimiento de los equipos para el registro sonoro, principalmente con el material de la escuela. Se aprenderán aspectos técnicos y prácticos para conseguir este fin.  Un segundo bloque tratará de la coordinación de flujo de trabajo para entregar y recibir el audio, comenzar el montaje y entregar la mezcla. La idea global es conocer las herramientas para mejorar y ampliar el espacio de creación.