Este es un curso introductorio sobre la estética y la historia del cine planteado desde la encrucijada del presente; un momento en el que, más allá de la crisis del mismo concepto de historia como relato totalizador, se ha generalizado una verdadera sospecha sobre la ordenación del tiempo diacrónico y la idea de progreso. En un sentido específico, la asignatura se pregunta sobre la posibilidad de contar la historia del cine desde nuestro tiempo. Y lo hace con la voluntad de poder hacerlo, es decir, con el propósito de contar en plural las historias que componen la historia del cine. En un sentido más general, esta es también una asignatura sobre el tiempo, simplemente. A lo largo de las dos primeras décadas del siglo XXI, las categorías que han servido tradicionalmente para estructurar cien años de cine, sustentadas en dicotomías estilísticas (clasicismo vs modernidad) o en parámetros teleológicos, han sido cuestionadas desde distintas corrientes de la historiografía revisionista que, con frecuencia, trascienden lo cinematográfico: los estudios culturales, las teorías afectivas, la arqueología de los medios, el análisis de la recepción, el materialismo cultural, la ecocrítica o los estudios de género y postcoloniales, son algunas de estas aproximaciones críticas. Los historiadores han incorporado a su léxico el término giro (el giro afectivo, el giro del archivo, el giro materialista) evidenciando gráficamente la necesidad de reconducir el destino lineal y evolucionista que se ha aplicado al cine habitualmente. 

Sin embargo, desde lugares de resistencia localizados, colectivos y minorías centrados en la microhistoria y en las historias subalternas, narrativas alternativas y desde abajo, han surgido paralelamente posturas críticas contra la hegemonía académica y suficiencia universitaria. ¿Cómo abordar, pues, el relato de la historia del cine sin caer en el rechazo automático de la herencia, el cinismo negacionista, la mirada exógena y cientificista, la simple falta de curiosidad? ¿De qué manera el relato de la historia del cine en una escuela de cine debe ser, también, el relato de nuestra propia memoria? ¿Somos parte de esa historia que rechazamos? En ese sentido, este curso sobre el tiempo del cine es también un curso sobre nuestro tiempo en el cine. 

Con el fin de abordar la posibilidad de la historia no solo teóricamente sino desde un punto de vista aplicado, el curso propone una metodología dialogal, con la incorporación de voces divergentes pero complementarias a lo largo de las sesiones. Se trata de construir una historia paradójica y plural, abierta y rizomática, nada lineal, carnavalesca y metamórfica. Seguiremos, en este sentido, la dirección marcada por Nicole Brenez cuando advierte de que “el cine no deja de desgarrarse, de profundizar sus fracturas, de hacer variar las potencias de lo discontinuo y de su doble, de trabajar la cesura y dejar trabajar la defección”.

Zinefabrika ofrece una aproximación teórica y práctica a la profesión del comisariado cinematográfico, con un enfoque especial en la relación entre los comisarios y las diversas estructuras e instituciones que conforman el ecosistema cultural y cinematográfico. La asignatura contará con sesiones de carácter práctico en las que los estudiantes compartirán sus experiencias en contextos institucionales y trabajarán colectivamente para definir estrategias de relación con entidades como instituciones públicas y privadas, festivales, filmotecas, fundaciones, archivos y otros actores clave del circuito cultural. Se abordarán posibles itinerarios profesionales, así como las diferencias entre ejercer como comisario independiente o dentro de una estructura establecida.

Zinefabrika también será un espacio para el acompañamiento de proyectos individuales. Se invitará a profesionales del sector a impartir talleres puntuales centrados en aspectos concretos del comisariado, de modo que los estudiantes puedan recibir orientación directa sobre sus ideas, metodologías o intereses curatoriales.

Esta dimensión busca reforzar el vínculo entre la reflexión y la práctica, y ayudar a los estudiantes a desarrollar sus proyectos en diálogo con profesionales del ámbito.

Los archivos difieren entre sí por características identitarias y por el contexto que les rodea y que inevitablemente influye en la gestión de sus colecciones. En esta asignatura se analizarán las diferentes variables que viven los archivos audiovisuales y las metodologías que aplican. Se hablará de los estándares y los debates sobre la gestión del material, desde su conservación y manipulación, hasta la gestión de los derechos de exhibición y su accesibilidad, teniendo en cuenta las peculiaridades de cada institución y sus posibilidades. 

El curso pretende dar unas claves para que el alumnado pueda adaptarse a diferentes realidades del mundo archivístico y alcanzar la habilidad de plantear y activar un plan estratégico de gestión de una colección. Esta asignatura es común a Archivo y Comisariado. 

El buen amor es una asignatura teórica y práctica alrededor de la escritura sobre cine. Está dividida en tres bloques; el primero introducirá al alumnado a algunas nociones de escritura y crítica, descripción de imágenes y sonidos, definición de conceptos y al uso herramientas bibliográficas básicas; el segundo bloque estará dedicado al ensayo, la crónica y la entrevista. El tercer bloque estará dedicado a los materiales de trabajo que se desprenden de proyectos curatoriales y críticos, así como también al trabajo de edición de libros, catálogos y publicaciones sobre cine. 

El buen amor es una asignatura que requiere de mucha lectura, escritura e intercambios dentro y fuera de clase. Antes de comenzar la asignatura, la docente se pondrá en contacto con las estudiantes para comenzar el trabajo conjunto de lectura y escritura que formará parte del primer bloque y aportar los materiales de lectura necesarios. 

La asignatura plantea la posibilidad de que estudiantes de los posgrados de Curaduría y Archivo de la EQZE asuman su rol (investigativo y curatorial) a modo de exploración de las prácticas relacionadas con el archivo fílmico y audiovisual teniendo en cuenta los tres tiempos del cine, siempre imbricados: el pasado, que se relaciona con la memoria; el presente, que se relaciona con la acción; el futuro, que se relaciona con la proyección. Esta propuesta, de raigambre filosófica y metodológica, plantea una reflexión sobre problemáticas históricas, culturales o políticas contemporáneas desde el marco conceptual que ofrecen los conceptos de profanación (Giorgio Agamben), acto creativo (Gilles Deleuze) y ontología política de la imagen (Ariella Aïsha Azoulay). Se tratará de observar, reflexionar y cuestionar los usos “rituales” del archivo para, eventualmente, subvertirlos a partir de prácticas críticas y/o lúdicas. Asumiendo esta perspectiva, se invita a las y los estudiantes de la asignatura a interrogar sus propias prácticas e ideas como potenciales espacios de resistencia. Esta asignatura es común a Comisariado y Archivo. 

Esta asignatura explora las dimensiones espaciales, sociales e institucionales del cine, analizando cómo las imágenes en movimiento son moldeadas por—y a su vez moldean activamente—los entornos en los que se exhiben, circulan y se experimentan. Considera el cine no solo como un espacio arquitectónico o teatral, sino como un espacio social, político y curatorial, sensible a sus contextos históricos y a sus públicos.

Partiendo de la aparición del cine como forma social a principios del siglo XX, el curso recorre su desarrollo a través de diversos contextos de exhibición—desde cines itinerantes y proyecciones comunitarias hasta instalaciones en galerías y festivales internacionales. El alumnado se acercará a las historias, prácticas y geografías plurales del cine, abarcando espacios formales e informales, físicos y digitales, locales y transnacionales.

La asignatura aborda desde un punto de vista teórico-práctico la catalogación de obras audiovisuales y los procesos documentales asociados a la misma.  ¿Dónde encontrar información fiable? ¿Cómo enfrentarse a la gestión de derechos? ¿Por qué el concepto unitario de obra pierde terreno frente a los de versión y manifestación? Desde la invención del cine, en las postrimerías del siglo XIX, hasta la aparición del vídeo a principios de la década de los setenta del pasado siglo toda la producción audiovisual se realizaba sobre soporte fotoquímico. En este mismo formato se desarrolló su distribución y conservación. Los cambios tecnológicos han supuesto siempre la destrucción de materiales o la imposibilidad de acceder a ellos al quedar obsoletos los dispositivos aptos para su reproducción. Desde este punto de vista, la definición de nuevos estándares plantea retos a la preservación, al tiempo que facilita los procesos documentales y de catalogación. La identificación y clasificación de obras y versiones de las mismas en pasos estándar y subestándar constituyen el vector práctico de la asignatura. Esta asignatura es común para Comisariado y Archivo.

Esta asignatura toma la sala de cine de la escuela como objeto de estudio y práctica académica para activar una reflexión colectiva sobre la exhibición en sala. Por un lado, la asignatura aborda cuestiones relacionadas con la distribución, el mercado de exhibición y la comunicación y, por otro lado, ofrece al alumnado un ejercicio práctico: liderar el cineclub de la escuela. De esta manera, y más allá de atender a cuestiones relacionadas con la programación, la asignatura propone un ejercicio real que comprende aspectos vinculados con la comunicación, la técnica y la producción. La asignatura además introduce a los estudiantes en los aspectos técnicos fundamentales de la proyección analógica y digital, ofreciendo una formación práctica que acompaña la exploración conceptual. La sala se convierte, así, en un laboratorio de experimentación para la especialidad de Comisariado.

La asignatura «Poética y política del comisariado: Cine, prácticas y perspectivas» presenta el comisariado cinematográfico como una práctica crítica, situada y en evolución, determinada por fuerzas históricas, institucionales y culturales. En lugar de presentar un modelo fijo, el curso invita a los estudiantes a explorar el comisariado como método de investigación, selección, mediación y presentación, una práctica arraigada en el cuidado, la crítica y la investigación. 

A través de seminarios, estudios de casos y sesiones con invitados, los estudiantes se comprometen con el comisariado como forma de crear espacios compartidos de experiencia, significado y reflexión, donde las películas no solo se muestran, sino que se reimaginan. Haciendo hincapié en la intuición, el diálogo y la experiencia vivida, el curso examina cómo la programación puede desafiar las narrativas dominantes, replantear historias silenciadas y establecer nuevas relaciones entre obras y públicos. El comisariado se enfoca como un acto relacional que rastrea cómo las películas circulan por terrenos culturales y políticos, abriendo cine-geografías que comprometen al mundo crítica y emocionalmente.

La historia del cine y la crítica de cine son disciplinas siempre implicadas en un proceso creativo y crítico de re-escritura. Los cineastas y críticos no crean de la nada—su trabajo es, consciente o inconscientemente, una respuesta a manifestaciones artísticas previas. Durante los últimos años, el ensayo audiovisual se ha convertido en un ejemplo prominente de esta re-escritura crítica. En este curso estableceremos relaciones entre distintas formas del ensayo audiovisual y diferentes periodos, tendencias e ideas de la historia del cine y de la crítica. El curso incluye la realización de un ejercicio práctico. 

El Observatorio habilita un espacio para la formación, la práctica y la investigación sonora. Parte del grado zero de la escucha para negar la existencia del cine mudo, explorar el impacto de la tecnología, el diseño sonoro de los gestos y objetos cotidianos, el arte radiofónico, la etnografía sonora, el Sound Art... Pero, además de un temario fijo, se adapta a las necesidades de los integrantes del grupo y del momento específico, de ahí su vinculación a la práctica y a los proyectos en desarrollo.

Esta asignatura, que transcurre a lo largo de los cuatro primeros módulos, busca confrontar al alumnado con la naturaleza de su película y la metodología de abordaje. ¿De dónde viene su película? ¿De qué trata? ¿Qué emoción procura despertar? ¿Se puede contar en imágenes? ¿Cómo quiere el o la autora que se sienta el espectador al concluir el visionado de la obra? A partir de estas y otras cuestiones, se pretenden iniciar –o retomar en algunos casos - los procesos de reflexión y desarrollo del proceso de trabajo que habrán de culminar en la obra acabada. El curso se concentra básicamente en tres puntos: el trabajo con el Punto de Partida como alma del viaje creativo; la necesidad de expandir el ámbito de ese viaje a partir de estímulos concretos capaces de añadir complejidad y profundidad a la película y la concreción del proyecto desde la escritura.

Las palabras están desgastadas, hundidas bajo el peso del uso inconsciente. Vienen y van en una deriva perezosa, víctimas del uso desatento y las inercias aprendidas. Por eso, esta clase invita a encender ese tumulto apagado de palabras secas. Quiere rescatarlas de la indiferencia, abrirlas una a una y situarlas en el texto. Pero, para ello, hay que cultivar la artesanía del lenguaje. No se trata de esperar a que llegue la inspiración, sino de escribir mucho y leer más.  El genio, la musa, el pneuma o el duende, que diría Lorca, “ese poder misterioso que todos sienten y ningún filósofo explica”, no se puede enseñar y no tiene manual de instrucciones. Pero, sin embargo, “obedece, como el hambre, como la digestión, como el sueño”, añadía Baudelaire. Por ello, la única vía hacia él es el trabajo, el proceso, la práctica: sumergirse en la técnica, para que cuando llegue, encuentre tierra fértil. 

Encender la palabra trata, por tanto, de observar con los sentidos abiertos, de buscar la palabra precisa, la oración exacta, la imagen necesaria. Es, en esencia, un taller de escritura que parte de la palabra encendida para convocar la emoción. 

Confeccionar una película botánica es ante todo un trabajo de paciencia y cariño. Tomando como punto de partida los métodos del cine sin cámara y algunos trucos del jardinero amateur, crearemos un herbario fílmico colectivo, desde la recolecta de ejemplares hasta su proyección. Este taller está dirigido a personas de cualquier formación que tengan ganas de explorar métodos alternativos de hacer películas. Las cinebotánicas son, al fin y al cabo, propuestas accesibles que permiten la reutilización de los materiales y herramientas de soporte fílmico para dar lugar a una pieza cuyo control queda siempre en manos de la propia naturaleza.

Utilizando un formato de estudio de casos, este curso une al alumnado con complicadas obras de arte contemporáneo con el objetivo de comprender los problemas principales y las estrategias emergentes para la conservación del arte multimedia. Las y los artistas utilizan una amplia variedad de formatos y tecnologías audiovisuales para crear instalaciones complejas, fascinantes de estudiar. Los ejemplos van desde obras de arte que utilizan componentes obsoletos como televisores (tubos de rayos catódicos) hasta obras sincronizadas multicanal, obras que utilizan motores de juegos o códigos a medida, u obras que sacan datos de Internet. Esas obras de arte suelen contener muchas partes interrelacionadas que hay que descifrar y documentar para garantizar que la obra funcione en el futuro de manera fiel a la visión del artista. 

El curso combina las perspectivas curatoriales y de conservación en el estudio de varias obras de arte de la colección de un museo local de arte contemporáneo. El alumnado investiga las historias de las exposiciones, consulta los archivos institucionales, examina los componentes de una obra de arte y debate sobre las obras con el personal del museo. En el proceso, aprenderá mucho sobre la interpretación, el cuidado y la conservación de obras de arte en museos y archivos.

El taller propone un acercamiento a la producción de emulsiones fotoquímicas artesanales. Un taller que parte de la arqueología fílmica, pero que pone en evidencia muchas cuestiones creativas contemporáneas. Un curso para las interesadas en la historia de la materialidad, pero dirigido también a cineastas interesados en el cine no sólo como un medio de almacenamiento para sus ideas, imágenes y banda sonora, sino como un material que forma y distorsiona activamente estos pensamientos, imágenes y sonidos.

Última etapa en la adquisición progresiva de conocimientos, habilidades y destrezas relacionados con el procesamiento de la película fotoquímica. La asignatura busca, por un lado, adentrarse en las técnicas y flujos de trabajo de un laboratorio profesional a partir del manejo práctico de la tecnología específica para el revelado (color y blanco y negro de 16 mm), corrección de color y copiado. La adquisición de estas habilidades prácticas implica también el mantenimiento de un conocimiento intergeneracional de la cultura e industria cinematográficas que, de otra manera, caería en el olvido. Por otro lado, los y las estudiantes que participen del curso podrán hacerse cargo del procesado de los materiales fílmicos realizados en la Escuela, manteniendo activo el servicio de EQZELab.

Esta asignatura se centra en el audiovisual de artista en el contexto del País Vasco. Toma como punto de partida las relaciones fluidas de la imagen en movimiento y los desplazamientos entre el cine y las prácticas artísticas, especialmente aquellas que acontecen en el sistema del arte: museos, centros de arte y galerías, o en el extrarradio del propio cine. A partir de una serie de casos de estudio, visionados, salidas e invitados, la asignatura examina el panorama local de la creación audiovisual.

Desde su comienzo, el cine ha sido un medio colorido y se han ideado múltiples procesos para dotar de color a la película en blanco y negro. Pasando por los procesos de tintado y virado químicos, el pintado manual, el desarrollo del Technicolor hasta la obtención de las emulsiones modernas, el cine siempre ha utilizado el color como un medio de expresión artístico. En este taller se explorará el color primigenio del cine y las posibilidades estéticas que ofrecen estas técnicas a los cineastas y artistas.